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Loren Waller
(Surugadai University)
Nagako Muto (The International University of Kagoshima)
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- Panel
- Section:
- Visual Arts
Short Abstract
This panel explores the intermedial transposition of Japanese classical literature into modern media. Analyzing texts such as The Tale of Genji and The Tale of the Bamboo Cutter, as well as mythology and folklore, we explore how shifting text to visual performance transforms and re-creates meaning.
Long Abstract
This panel explores the transformation of Japanese classical literature, folklore, and mythology when it crosses borders between media. The development of Japanese classical literature is itself closely connected to the materiality of transmission. Even as the development of the kana script expanded the scope of poetry and prose, associations with orality and performance remained. The frequency of references to visual and performing arts in written narratives attests to the close relationship between arts of various media. Such intermedial transposition is a commonly used literary device of the transmission, reception, and appreciation of Japanese literature.
This panel aims to identify the role of the medium in the bidirectional re-creation of meaning when literary configurations cross media. That is, considering the role of the new medium in creating meaning leads us to pay closer attention to what was conveyed or not conveyed in the original medium, as well as the role of the audience in imagining or augmenting unconveyed elements. We particularly look to modern media and performance to understand the historical reconceptualization of intermedial transposition over time.
Nagako Muto argues that the female music (onnagaku) in the “Wakana-ge” (“New Herbs, Part Two”) chapter of The Tale of Genji exists as “imaginary sound,” which in adaptation creates the potential for it to be shown and participated in. Modern adaptations of Genji from manga to figure skating draw creative potential from this imaginary depiction of music in writing. Mikiko Saso examines the 2022 animated film Suzume, which adapts the folk belief, made popular through kaname-ishi (keystones) and namazu-e (catfish prints) in the Edo period, that earthquakes are caused by dragons and catfish. Moreover, she looks at how the film draws from the myth of the Heavenly Rock Cave. Moemi Tomizawa shows how the narration of The Tale of the Bamboo Cutter creates a contrast between oral retrospection and written representation and employs an external narrative perspective like that of picture scrolls. The 2013 animated film The Tale of Princess Kaguya further creates hybrid scenes and adds the use of the animation to destabilize and reconfigure the original narrative.
| Abstract in Japanese (if needed) | 本パネルは、日本の古典文学、民間信仰、そして神話がメディアの境界を越える際の変容を探究するものである。日本古典文学の展開は、それ自体の伝達における物質性と深く結びついている。仮名の発展によって詩歌や散文の領域が拡大した後も、口承性やパフォーマンスとの関連は保持され続けた。物語の中に視覚芸術や芸能への言及が頻繁に見られることは、多様なメディア間の密接なつながりを証明している。こうした「メディア間の置き換え（intermedial transposition）」は、日本文学の伝達、受容、そして鑑賞において一般的に用いられてきた文学的手法である。 本パネルの目的は、文学的構成がメディアを横断する際、意味の双方向的な再創造においてメディアが果たす役割を特定することにある。すなわち、新たなメディアが意味を形づくる働きを検討することは、 元のメディアで何が伝えられ、何が伝えられなかったのか、それから伝えられなかった要素を想像し補完する観客の役割を再考することにつながる。我々は特に、現代のメディアやパフォーマンスに着目し、メディア間の置き換えが時代とともにいかに歴史的に再概念化されてきたかを理解することを目指す。 武藤那賀子は、『源氏物語』「若菜下」巻の女楽（おんながく）が「幻想の音」として存在しており、それが翻案されることで「見せるもの」や「参加するもの」としての可能性が生じることを論じる。マンガからフィギュアスケートに至る現代の『源氏物語』の翻案は、文字による音楽の幻想的な描写から創造的な可能性を引き出している。笹生美貴子は、2022年のアニメーション映画『すずめの戸締まり』を検証する。本作は、江戸時代の要石（かなめいし）や鯰絵（なまずえ）を通じて広まった、龍や鯰が地震を引き起こすという民間信仰を翻案したものである。さらに、本作品がいかに天岩戸神話から着想を得ているかについても考察する。富澤萌未は、『竹取物語』の語りがいかに口承的な回想と文字による表現の対比を生み出し、絵巻のような外部的な物語視点を用いているかを示す。2013年のアニメーション映画『かぐや姫の物語』は、さらにハイブリッドな場面を創出し、アニメーションの手法を用いることで、元の物語を揺さぶり再構成している。 |
Accepted papers
Paper short abstract
The scene of “female music” (onnagaku) in “Wakana-ge” of The Tale of Genji is splendid, yet rarely adapted, as the written narrative contains no sound, creating “imaginary sound.” This presentation examines the differences between text, paintings, and moving images and their underlying causes.
Paper long abstract
The “the female music” scene (onnagaku女楽) in the “Wakana-ge” (“New Herbs, Part Two”) chapter of The Tale of Genji is depicted as the ideal space envisioned by Hikaru Genji at his Rokujō Estate. The term “female music” (女楽) was used in ancient China, but it referred to music performed by low-status entertainers. In The Tale of Genji, this was arranged as a musical piece performed by the wives of the high-ranking Genji. It is particularly noteworthy that the seven-string zither—with playing techniques passed down exclusively within the Imperial family—is included among the instruments used in the female music ensemble. In other words, within the Rokujō “palace,” where Genji reigns supreme, the elegant music performed by his beautiful, splendid, and cultured noble wives is the very essence of “female music” in The Tale of Genji. This stems from the fact that the original scene contained no sound, making it, so to speak, an “imaginary sound.” Therefore, when this female music scene is adapted, it often becomes something to be shown or participated in (as per Linda Hutcheon, A Theory of Adaptation). This presentation focuses specifically on paintings, films, and stage productions. Specifically, I examine pre-modern printed books and folding screen paintings, the manga Asaki Yumemishi (Waki Yamato), the 2020 exhibition at the Costume Museum in Kyoto, the figure skating performance “Hyōen: Like Moonlight” (2019), the films The Tale of Genji (1951 and 1981), The Tale of Genji: The Mystery of a Thousand Years (2011), and contemporary music focused on scenes from the female music scene. Having addressed these points, I will examine the differences between adaptations in painting, film, and theater, and explore their underlying causes.
| Abstract in Japanese (if needed): | 『源氏物語』「若菜下」巻の女楽は、六条院における光源氏が思い描いた理想の空間として描かれる。女楽という言葉は、古代中国において使われた。だが、古代中国における女楽は身分の低い芸妓による音楽を指していた。これを、『源氏物語』では、身分の高い、光源氏の妻たちによる楽曲として編み直した。とくに、天皇家にしか奏法が伝わっていない七絃琴が女楽に使用される楽器に入っていることは注目に値する。つまり、光源氏が君臨する六条院という「宮殿」の中で、彼の美しく、華やかで教養ある高貴な妻たちによる優雅な音楽こそが、『源氏物語』の女楽の本質なのである。これは、元の場面に音がなく、言ってみれば「幻想の音」であることに起因する。そのため、この女楽の場面が翻案される時には、「見せるもの」「参加するもの」（リンダ・ハッチオン『アダプテーションの理論』に依る）になることが多い。本発表では、とくに絵画や映画、舞台に着目する。具体的には、近世の版本や屏風絵、大和和紀『あさきゆめみし』、風俗博物館（京都）の2020年の展示、フィギュアスケート『氷艶―月光かりの如く―』（2019年）、映画『源氏物語』（1951年および1981年）、『源氏物語―千年の謎』（2011年）、そして女楽の場面にフォーカスした現代音楽といったものを採り上げて考える。これらを採り上げたうえで、絵画と映画、演劇におけるそれぞれの翻案作品にどのような差異があり、それが何に起因するのかについて考察する。 |
Paper short abstract
The film Suzume (すずめの戸締まり) incorporates numerous Japanese myths and folk beliefs, particularly those related to earthquakes. This presentation will analyze the process by which these myths and folk beliefs are transformed and integrated into the world of the film.
Paper long abstract
The 2022 animated film Suzume (すずめの戸締まり) weaves Japanese mythology and earthquake-related folk beliefs into its narrative. For instance, the protagonist’s name, “Iwato Suzume,” is said to be derived from “Ame-no-uzume-no-Mikoto,” a deity featured in the Japanese myth of the Heavenly Rock Cave (Ame-no-Iwato 天岩戸神話).
I examine the “Giant Earthworm” (ミミズ) portrayed in the film as the cause of earthquakes. Since ancient times, it is dragons and catfish which have been said to cause earthquakes. During the Edo period, the Ansei Great Earthquakes caused widespread destruction and famine, leading to the proliferation of “catfish prints” (namazu-e 鯰絵). Consequently, earthquake-quelling “keystones” (kaname-ishi 要石) also gained increasing importance. In the film Suzume, the enigmatic white cat Daijin and the mysterious black cat Sadaijin assume the role of the keystones. I argue that these two characters convey an even deeper message. When Daijin relinquishes its role as a keystone, Sota Munakata must assume that responsibility, yet Daijin repeatedly appears before Suzume and Sota as they journey to stop earthquakes. I explore the messages embedded in Daijin’s actions from the perspective of earthquake disaster memory. Furthermore, the incantation chanted by Sota Munakata strongly reflects an ancient norito (祝詞) prayer. I will discuss how this incantation, as an adaptation of a norito, is used to quell the Giant Earthworm.
In this presentation, I first examine how scenes related to the famous Japanese myth of the Heavenly Rock Cave are adapted in the film. Furthermore, incorporating an analysis of folk beliefs surrounding the Edo period earthquakes, I explore the meaning behind the transformation of the traditional earthquake-causing dragons and catfish into the Giant Earthworm in the film, as well as Daijin’s role beyond that of a mere keystone. This analysis shows how Japanese mythology and folk beliefs are transformed and integrated into the world of the film.
| Abstract in Japanese (if needed): | 2022年公開のアニメ映画『すずめの戸締まり』は、日本の神話と地震にまつわる民俗信仰を物語に織り交ぜている。例えば、主人公「岩戸鈴芽（いわと すずめ）」という名前は、天岩戸神話に登場する「アメノウズメノミコト」という神に由来すると言われる。 私は、映画に描かれている地震の原因である「巨大なミミズ」について考察する。古くから、地震の原因は龍や鯰（なまず）だとされてきた。特に、江戸時代の安政の大地震では甚大な被害と飢饉が発生し、「鯰絵」（なまずえ）が広く普及した。その結果、地震を鎮める「要石」（かなめいし）の重要性が増していった。映画『すずめの戸締まり』では、謎めいた白猫の「ダイジン」と黒猫の「サダイジン」が要石の役割を担っており、この二つのキャラクターには、より深いメッセージが込められていると考える。 ダイジンが要石としての役割を放棄した時、宗像草太（むなかた そうた）は、その責任を負うことになる。しかし、ダイジンは地震を止める旅に出た鈴芽と草太の前に、何度も姿を現す。私は、地震災害の記憶という観点から、ダイジンの行動に込められたメッセージについても考察する。さらに、宗像草太が唱える呪文は、古代の祝詞（のりと）の祈りを強く反映している。この呪文が祝詞を翻案したものとして、巨大なミミズを鎮めるためにどのように使われているのか考察する。 本発表では、まず有名な天岩戸神話に関連する場面が、映画でどのように翻案されているか考察する。さらに、江戸時代の地震に関する民俗信仰の分析も踏まえながら、伝統的に地震の原因とされてきた龍や鯰が、映画で巨大なミミズへと変化した意味、そしてダイジンが単なる要石以上の役割を持つことの意味を、深く探求する。 この分析を通して、日本の神話や民俗信仰が、映画の世界観にどのように変容・統合されているのかについて明らかにしたい。 |
Paper short abstract
This presentation examines how shifts in visual viewpoint transform a narrative into a modern animated experience, analyzing framing and movement in the adaptation of The Tale of Princess Kaguya (かぐや姫の物語) from The Tale of the Bamboo Cutter (竹取物語).
Paper long abstract
The animated film The Tale of Princess Kaguya (かぐや姫の物語) is an adaptation of The Tale of the Bamboo Cutter (竹取物語). This presentation analyzes the film from the perspective of visual narration, elucidating how the adaptation reconfigures the original narrative.
The Tale of the Bamboo Cutter clearly frames itself as a story through the narrator’s use of keri, a narrative marker signaling retrospection. Furthermore, characters names appearing in the text contribute to an external viewpoint, and the inclusion of etymological episodes discernible only through written language explicitly marks the work as a textual narrative. In scenes presented from this external viewpoint, strong emotional identification between the reader or narrator and the characters is not presupposed; instead, the narrative is conveyed while maintaining a certain distance. This narrative stance resembles the composition of an emaki (picture scroll), which is often viewed from a diagonally elevated perspective and adopts an externally oriented visual viewpoint.
The Tale of Princess Kaguya incorporates expressions reminiscent of picture scrolls through its depiction of brushstrokes, and through backgrounds making extensive use of negative space. While the overall composition is fundamentally fixed from a side view, the characters’ subjective viewpoints are repeatedly foregrounded. Scenes such as Princess Kaguya fleeing to the winter mountains, visiting the cherry blossoms, and flying with her childhood friend Sutemaru shift the perspective from a horizontal view to Princess Kaguya’s personal viewpoint. In addition, scenes such as the cherry blossom viewing—though not presented from Princess Kaguya’s perspective—include animation-specific moments in which the viewpoint changes dynamically in response to swirling motion, thereby destabilizing a fixed visual angle.
A symbolically significant example is the scene where Princess Kaguya bends close to the ground in the small garden of the mansion and looks upward. Here, the perspective shifts from the previous side view to Princess Kaguya’s personal viewpoint, accentuating the contrast between the capital city and the mountains.
Such analysis demonstrates how characters from a classical literary text are reborn and circulate in the modern age through animation by analyzing perspective shifts.
| Abstract in Japanese (if needed): | Short abstract 本発表では、アニメーション映画『かぐや姫の物語』が『竹取物語』の視点をどのように再構成しているかに注目し、アニメーションにおいて視覚的な視点の変化が物語の享受にどのように影響するかを分析する。こうした『かぐや姫の物語』の画面構成や動きの分析を通して、映像による語りによって生み出される役割を明らかにする。 Long abstract アニメーション映画『かぐや姫の物語』は、『竹取物語』を原作とする翻案作品である。本発表では、この作品を視覚的語りの観点から分析し、翻案がいかに原作の物語を再構成しているのかを検討する。 『竹取物語』の語りは、語り手による回想を示す語りを表す「けり」の使用によって、「物語」であることを明確に枠づけていると指摘されてきた。さらに、作中に現れる登場人物の名は物語の外部からの視点を形成し、仮名などの文字言語によってのみ識別可能な語源的挿話の挿入は、『竹取物語』が文字による物語であることを明示してもいる。このような外部からの視点から語られる場面においては、読者や語り手が登場人物に強く感情移入することは前提とされておらず、一定の距離を保ったまま物語が伝えられている。この語りの姿勢は、斜め上方から見下ろす構図を特徴とし、外部的な視点を採用する絵巻物の構成と類似する。 『かぐや姫の物語』は、筆致の可視化や余白を多用した背景表現によって、絵巻物を想起させる表現を取り入れている。一方で、基本的には側面からの固定的な構図を保ちながらも、登場人物の物の視点が見られる。特に、かぐや姫が邸を飛び出し冬山へ向かう場面や、桜を見に行く場面、幼なじみの捨丸と飛翔する場面では、視点が水平的な構図からかぐや姫個人の視点へと移行する。さらに、桜を見に行く場面のように、かぐや姫の視点からは描かれていない場合であっても、旋回する動きに応じて視点が動的に変化するというアニメーション特有の表現が用いられ、固定された視点が不安定化されている。 象徴的なのは、邸の小さな庭でかぐや姫が地面に身を寄せ、空を見上げる場面である。ここでは、それまでの側面からの構図からかぐや姫個人の視点へと転換がなされ、都と山との対比が強調されている。 本発表は、こうした視点操作の分析を通して、古典文学の物語がアニメーションという媒体においていかに再構築され、現代的な物語の享受のあり方として再生されているのかを読み解いていく。 |